Goldfische und Palette

Ein Fischglas und eine Künstlerpalette klingen nach leicht verständlichen Ateliergegenständen. In Henri Matisses Goldfische und Palette sind sie sichtbar, lassen sich aber nur schwer in einen zusammenhängenden Raum einordnen. Zwei rote Fische durchqueren links oben ein helles Glas; eine schräg liegende weiße Palette erscheint rechts in der Mitte. Dazwischen verläuft ein breites, beinahe schwarzes senkrechtes Band. Blaugraue Flächen und geschwungene Linien deuten Möbel, Fenstergitter und den Raum um den Tisch an. Matisse hat diese Dinge jedoch zu einer Anordnung verdichtet, die einem einfachen Blick durch das Zimmer widersteht. Auch der Maler selbst ist anwesend, allerdings nur indirekt. ^{[1] [2]}

Das MoMA, dem die Leinwand gehört, datiert sie auf Ende November 1914 bis Frühjahr 1915 und nennt Paris am quai Saint-Michel als Entstehungsort. Das Ölgemälde misst 146,5 × 112,4 Zentimeter und ist damit viel größer als ein übliches Tischstillleben. Die Ausstellungsforschung des Met verortet es in Matisses Atelier im vierten Stock des Hauses 19 quai Saint-Michel. Diese Adresse verbindet die gemalten Gegenstände mit einem wirklichen Arbeitsraum; das fertige Bild zeigt zugleich, wie radikal Matisse das dort Gesehene umgestalten konnte. ^{[1] [2]}

Wo sind die Goldfische?

Das Fischglas steht hoch und links der Mitte. Sein Glas wird nicht durch einen vollkommenen Umriss beschrieben: Helle Farbe und dunkle Kanten lassen das Gefäß abwechselnd undurchsichtig und durchsichtig erscheinen. Die Fische zeigen sich als kleine rote Striche etwa in der Mitte seines hellen Inneren. Ihre Farbe wirkt unmittelbar, weil ein großer Teil der Umgebung schwarz, grau oder gedämpft blau ist. Eine herabhängende Pflanze kreuzt die linke Seite des Glases; darunter setzt eine gelbe gerundete Form einen weiteren warmen Akzent. Die Fische sind nicht die größten Formen, doch der Titel und ihr seltenes kräftiges Rot machen sie zu einem Ausgangspunkt für das Auge.

Von dort an wird die Szene unsicherer. Das helle Brett oder die Tischplatte unter dem Glas trifft auf einen tiefschwarzen Streifen, der den oberen Raum teilt und fast bis zum unteren Rand hinabreicht. Hinter dem Glas windet sich dunkles Eisengitter über ein blaues Feld. Rechts schneiden sich weitere schwarze Linien über und neben der Palette. Das Gemälde gibt genügend Hinweise auf ein Atelier und sein Fenster, doch die einzelnen Teile verbinden sich nicht zu einer einzigen, sauber vermessenen Perspektive. Das Fischglas bleibt erkennbar, während der Raum darum zu einer Aufgabe für die Betrachtung wird.

Das Met erläutert, dass Matisse dieses Fischglas bereits in Interieur mit Goldfischen verwendete, gemalt früher im Jahr 1914 im selben Pariser Atelier. Dort steht das Glas vor einem Fenster, hinter dem die Stadtansicht am Seineufer sichtbar bleibt. Die Kurven von Glas, Pflanze und ferner Brücke verbinden Innen und Außen. Goldfische und Palette rückt näher an das Interieur heran: Der Fensterblick ist kein offenes Panorama mehr, und ein kräftiges schwarzes Band ersetzt große Teile der helleren senkrechten Gliederung des früheren Aufbaus. Der MoMA-Ausstellungstext von 2010 beschreibt diesen Wandel als Vereinfachung des früheren Bandformats. Die beiden Leinwände greifen eine Umgebung erneut auf; sie sind keine doppelten Fassungen desselben Objekts. ^{[2] [3] [4]}

Warum ist die Palette schwer zu erkennen?

Die helle schräge Form rechts kann zunächst wie ein Lichtfleck oder ein Blatt vor dunklen Möbeln wirken. Das Met identifiziert sie als Matisses Palette und weist auf einen Daumen hin, der durch ihr Loch greift. Die Form enthält weniger offensichtliche bunte Tupfer als viele Darstellungen einer Malerpalette. Ihre helle Fläche ist ebenso wichtig wie ihre Funktion: Sie antwortet dem weißen Fischglas jenseits der dunklen Bildmitte. Einmal erkannt, verändert sie das Thema. Dies ist ein Bild dessen, was der Künstler ansieht, und des Ortes, von dem aus er schaut. ^[2]

Das Met verweist auf eine Kompositionsskizze, die Matisse einem Freund schickte. Darin sitzt er am zentralen Tisch. Bei der Überarbeitung des Gemäldes machte er seine eigene Figur weniger deutlich. Das Met liest die kantigen Formen unter der Palette als angewinkelte Beine; der Ausstellungsführer des Centre Pompidou von 2012 erkennt rechts ebenfalls einige schwer sichtbare Zeichen des Malers. Die genauen Körpergrenzen sind auf der fertigen Leinwand bewusst schwer nachzuvollziehen. Die Bezeichnung fragmentiertes Selbstporträt fasst die wissenschaftliche Deutung zusammen, ohne vorzugeben, in der dunklen Farbe sei ein vollständiges, klar umrissenes Bildnis verborgen. ^{[2] [5]}

Diese teilweise verdeckte Figur erschwert die vertraute Trennung von Stillleben und Selbstporträt. Fischglas, Pflanze und Palette lassen sich als Gegenstände aufzählen. Doch die Palette setzt eine arbeitende Hand voraus und die unteren Formen einen Körper im selben Raum wie die Dinge, die er studiert. Matisse stellt uns weder eine gemalte Staffelei noch ein deutliches Gesicht vor Augen. Wenige visuelle Zeichen lassen die Position des Künstlers spürbar werden. Das dunkle Mittelband trennt Glas und Palette, gesehenen Gegenstand und Arbeitsgerät, ohne eine einzige Erklärung festzulegen, wo jeder Raumteil beginnt und endet.

Wie funktioniert die dunkle Komposition?

Schwarz gibt der Leinwand ihre Struktur. Ein senkrechter Streifen zieht durch die Mitte; schmalere dunkle Balken und kantige Linien durchschneiden die rechte Seite. Dagegen erscheinen die blaugrauen Bereiche als einzelne Flecken statt als zusammenhängende Wand oder Fensterfläche. Links leuchtet der helle Bereich des Fischglases, weil er an Dunkel stößt. Rechts hebt sich die weiße Fläche der Palette aus demselben Grund ab. Kleine rote und gelbe Noten gewinnen innerhalb dieses beschränkten Spektrums an Kraft. Das Bild ist nicht einfach ein helles Stillleben, das durch Geschichte düster wurde. Die begrenzten Farben helfen Matisse, jede Kante, Öffnung und Unterbrechung wichtig werden zu lassen.

In diesem großen Gemälde bleiben viele räumliche Entscheidungen sichtbar. Eine geschwungene Eisenlinie lässt sich als Teil einer Fensterbarriere und als dunkle Form auf Blau lesen. Der Tisch unter dem Glas scheint nahe den Fischen fest, doch sein Verhältnis zum schwarzen Band wird unsicher. Die Diagonalen rechts oben verdichten die Komposition, statt einen leichten Ausweg in die Tiefe anzubieten. Der MoMA-Ausstellungstext verortet Matisses Arbeit von 1914 in einer Phase intensiver Versuche mit Form und Raum, darunter einer Antwort auf Probleme des Kubismus. Dieser Zusammenhang erklärt die gebrochene Geometrie, macht Goldfische und Palette jedoch nicht zu einem kubistischen Bild unter anderem Namen. Sein besonderes Gleichgewicht aus Glas, schwarzen Bändern, Farbfeldern und teilweise verborgenem Maler muss für sich betrachtet werden. ^[4]

Auch die Datierung ist wichtig. Die vom Eigentümer genannte Spanne Ende November 1914 bis Frühjahr 1915 umfasst die ersten Monate des Ersten Weltkriegs. Das MoMA beschreibt diese Zeit für Matisse als eine Phase von Unterbrechungen und Rückkehr. Das Gemälde gehört zu diesem Moment, dokumentiert aber weder einen persönlichen Wunsch, dem Krieg zu entfliehen, noch eine direkte symbolische Bedeutung seiner dunklen Mitte. Historischer Kontext kann die Entstehungszeit erklären, ohne jede Farbe zum Beleg eines nicht überlieferten Gefühls zu machen. ^{[1] [4]}

Was änderte sich gegenüber dem früheren Atelierinterieur?

Das Centre Pompidou datiert sein eigenständiges Interieur mit Goldfischen auf Frühjahr 1914. Der Sammlungseintrag beschreibt ein Fenster, das das Atelier zur Außenwelt öffnet, wobei das Fischglas selbst Mehrdeutigkeit zwischen transparenten Flächen schafft. In Goldfische und Palette bleibt das Glas, doch die Außenansicht tritt zurück, und die Werkzeuge des Malers werden zum Thema. Das Met beobachtet eine Verengung auf das Innere; das Centre Pompidou nennt das spätere Werk ein Bild der Beziehung zwischen Künstler und Umgebung. Der Gegensatz macht die Leinwand von 1914–15 lesbarer: Dieselbe Umgebung wird von einer anderen Position aus überdacht, mit weniger Landschaft und mehr in die Struktur eingebauter Arbeit des Malers. ^{[3] [2] [5]}

Die MoMA-Provenienz verzeichnet das Gemälde bis Mai 1915 bei Matisse, danach bei Händlern und Privatsammlern, bevor es 1964 ins Museum gelangte. Jacques Doucet besaß es ab 1923; der wissenschaftliche Katalog des Art Institute of Chicago erwähnt diese Phase unabhängig davon. Diese spätere Geschichte klärt den bewusst unsicheren Bildraum nicht, zeigt aber, dass die Leinwand als fertiges Werk zirkulierte, obwohl viele Formen deutungsoffen bleiben. Der heutige Museumstitel nennt die beiden Gegenstände, an denen sich der Blick am ehesten orientieren kann; die Leistung liegt im schwierigen Raum, der sie verbindet. ^{[1] [6]}

Schauen Sie von den roten Fischen zur Palette, dann hinunter in die dunkle Mittelsäule und durch das Eisengitter wieder hinauf. Dieser Weg zeigt, wie das Bild zwischen benennbaren Gegenständen und Formen wechselt, die sich nicht festlegen lassen. Ein früheres, anderes Goldfischbild finden Sie unter Goldfische; Blick auf Notre-Dame greift 1914 das Pariser Fenstermotiv auf. Das Gemäldeverzeichnis ordnet diese Werke in Matisses umfassendere Erforschung des Innenraums ein.