Landschaft bei Collioure

Bäume und niedriger Bewuchs sammeln sich beiderseits einer hellen Öffnung. Kräftige grüne und blaue Striche bauen Vegetation auf; Lachsrosa und Orange durchqueren die obere Mitte; kurze rosa, rote und gelbe Marken streuen sich im Vordergrund. Henri Matisses Landschaft bei Collioure beschreibt einen Ort, ohne alles zur lückenlosen Ansicht zu glätten. Das Helle dazwischen ist oft die Leinwand selbst. Nah gesehen sind es Entscheidungen darüber, wo Farbe steht und wo sie fehlt. Aus der Ferne bilden getrennte Striche einen Weg oder eine Lichtung zwischen Bäumen. ^{[1] [2]}

Matisse schuf dieses Ölbild auf Leinwand im Sommer 1905 in Collioure. Das Museum of Modern Art in New York besitzt es als 364.1990, 38,8 × 46,6 Zentimeter. Die rasche Behandlung kann unfertig wirken, doch MoMA nennt es ein vollendetes Werk. Das rohe Gewebe zwischen den Strichen gehört zur Bildwirkung, statt eine vor dem beabsichtigten Ergebnis aufgegebene Leinwand zu belegen. ^{[1] [3]}

Wohin führt die Landschaft den Blick?

Die dunkelste dichteste Strichgruppe steht links der Mitte. Grün und tiefes Blauviolett bilden eine Baummasse, deren Äste zum oberen Rand greifen. Rechts antworten hohe blaugrüne Marken als weitere Laubgruppe. Beide Seiten geben einen mittleren Durchgang. Er ist unregelmäßig, keine sorgsam gezeichnete Straße zwischen gleichen Bäumen. Farbflächen bewegen sich hinein und unterbrechen den Weg wieder; aus ihren Abständen muss man eine Richtung zusammensetzen.

In mittlerer Tiefe liegen kühlere blaue und lavendelfarbene Formen unter warmem Korallrot. MoMAs Katalog der Louise Reinhardt Smith Collection beschreibt einen Einblick zwischen Baumgruppen und vermutet links der Mitte hinter einer Erhebung einen möglichen Meeresblick. „Möglich“ zählt. Das kleine Bild bestimmt weder Horizont, Küste noch benannten Standpunkt topografisch genau. Tiefenhinweise lassen mehrere Lesarten der Mitte zu: Weg, Lichtung, zum Licht dünner werdende Vegetation oder Blick hinter den nahen Bewuchs. ^[2]

Unten setzen Dunkelblau und Kastanienrot kleine Akzente auf cremefarbener Leinwand. Rechts davon steigen hellgrüne Striche wie Gras auf. Anderswo deuten rosa Striche Boden an, ohne einheitlicher Schatten zu werden. Sie beleben den Vordergrund und verhindern eine leere Mitte. Zugleich führen sie zur Bildoberfläche zurück. Aus der Ferne bezeichnen sie Pflanzen und Erde; nah bleibt jeder Strich ein eigener Farbtupfer.

Keine Figur bestimmt den Maßstab. Ein Ast kann groß wirken, weil er die Leinwand durchquert, obwohl das ganze Objekt nur etwa siebenundvierzig Zentimeter breit ist. Matisse verortet die Ansicht durch Platzierung und Farbe statt Mensch oder Gebäude. Linke und rechte Gruppen drängen zueinander, die Mitte atmet, verstreute Vordergrundmarken bringen den Raum näher. Die Struktur bleibt lesbar, obwohl viele Teile keinen genauen Namen annehmen.

Warum bleibt so viel Leinwand sichtbar?

Laut MoMA trug Matisse die Ölfarbe auf ungrundierte Leinwand auf. Häufig bedeckt eine Vorbereitung das Rohgewebe vor dem sichtbaren Bild. Hier zeigt sich der gewebte Träger zwischen einzelnen Strichen. Er ist kein einheitlicher weißer, lichtähnlich gemalter Hintergrund. Die Oberfläche selbst beteiligt sich an der Landschaftsfarbe und betont Lücken zwischen Grün, Violett und Rot. Farbe wurde rasch, laut MoMA teilweise direkt aus der Tube aufgetragen. ^[1]

Die offene Leinwand gibt den Marken Raum. Dichtes Dunkelgrün links wirkt durch helle Zwischenräume daneben und darin noch dichter. Lachsrosa und Orange oben leuchten, ohne den ganzen Himmel zu bedecken. Wenige gelbgrüne Vordergrundstriche können Gras andeuten, weil sie einzeln auf hellem Träger stehen. Es ist mehr als Farbersparnis: Das Freigelassene schärft die Eigenständigkeit des Gemalten.

Das verändert Raum und Oberfläche zugleich. Derselbe cremefarbene Bereich kann Tageslicht zwischen Blättern, Bodenstück oder offenes Gewebe sein. Man muss nicht jede Lücke festlegen, bevor man dem Bild folgt. Der Träger erfüllt mehrere Rollen gleichzeitig. Seine Webstruktur bleibt sichtbar, während der helle Ton einen sonnigen Ort erzeugt. Das Gemälde wechselt zwischen Gegenstand aus Gewebe und Öl und durch Farbe wahrgenommener Szene.

Die ältere Annahme, sichtbarer Träger beweise eine bloße Studie, widerspricht MoMA. Der Lehrleitfaden vergleicht Landschaft bei Collioure ausdrücklich mit der vorbereitenden Studie zu „Luxe, calme et volupté“ von 1904. Diese nennt MoMA eine Ölskizze zu einem anderen Bild; das Collioure-Werk mit offener Leinwand gilt als fertig. Beide wirken locker, ihre dokumentierten Aufgaben unterscheiden sich. Vollendung bedeutet hier akzeptierte Beziehungen zwischen Strichen und offenen Stellen, keine vollständig bemalte Fläche. ^[3]

Was änderte sich 1905 an Matisses Farbe?

Die Farben verlassen eine herkömmliche Beschreibung sonniger Vegetation. Blau und Violett wandern durch Bäume; Korallrot und Orange drängen oben hinein; Rosa mischt sich mit Grün am Boden. Sie beschreiben Landschaft und schaffen ihren Rhythmus. Die linke Masse wirkt auch wegen ihres Dunkelblaus schwer, nicht nur wegen der Form. Der warme Mittelbereich zieht durch seinen Gegensatz zum kühlen Bewuchs den Blick hinein.

Der Eigentümereintrag sieht hier den Beginn einer spontaneren Malweise. Das Urteil beruht auf getrennten Strichen und kräftigen Farben, nicht auf bewiesener Gedankenlosigkeit. Schnelle Marken sind sichtbar, ihre Planungszeit nicht. Ihre Beziehungen sind deutlich: warm gegen kühl, dicht gegen offen, kurze verstreute Tupfen gegen größere Baumgruppen. „Völlig abstrakt“ übersähe die Ordnung einer erkennbaren Außenumgebung. ^[1]

Collioure war ein Mittelmeerdorf nahe der französisch-spanischen Grenze. Der MoMA-Lehrleitfaden nennt Matisses Ankunft im Mai 1905, Derains Hinzukommen im Juni und Matisses Aufenthalt bis Anfang September. Die Monate boten wiederholt Gelegenheit zum Malen und Zeichnen in der Umgebung. Das datiert das Experiment, macht die einzelne Leinwand aber nicht zum Tagebucheintrag über genaues Wetter oder Tagesstunde. Sichtbare Entscheidungen verwandeln eine Szene in eine konzentrierte Untersuchung des durch Farbe erzeugten Raums. ^[3]

Das Bild steht auch am Wandel seiner Farbbehandlung. MoMAs Smith-Katalog verbindet Collioure 1905 mit früherem Interesse an Van Goghs kräftigen Marken und der geteilten Farbe Seurats und Signacs. Er beschreibt den Übergang vom regelmäßigeren Mosaik zu freieren Strichen. Das erklärt unterschiedliche Längen, Richtungen und Dichten statt mechanisch gleicher Muster. Es bedeutet nicht, ein einziger Einfluss erkläre jeden blauen, rosa oder grünen Tupfer. ^[2]

Wie verhält es sich zu Offenes Fenster, Collioure?

Matisse malte Offenes Fenster, Collioure ebenfalls 1905. Die National Gallery of Art besitzt diese eigenständige Leinwand. Fensterrahmen, Blumentöpfe und Boote ordnen dort den Blick vom Zimmer zum Hafen. Die Galerie belegt ihre Ausstellung im Salon d’Automne 1905, der den Fauves ihren berühmten Namen gab. Diese Ausstellungsgeschichte gehört zum Washingtoner Bild und darf nicht automatisch auf MoMAs Landschaft bei Collioure übertragen werden. ^[4]

Der Gegensatz erklärt die Landschaftsmethode. Offenes Fenster hat erkennbare Architekturkanten, die ungewöhnliche Farbe zusammenhalten. Die Landschaft hat weder Fenster noch Sims oder Boot. Strichgruppen selbst müssen nahes Laub und fernere Öffnung schaffen. Beide verändern erwartete Mittelmeerfarben, geben aber anderen Halt. Das eine blickt durch einen ausdrücklich gemalten Rahmen hinaus; im anderen findet das Auge seinen Weg zwischen Bäumen.

Der MoMA-Katalog nennt eine weitere Beziehung: Der Baumdurchgang trug später zur Landschaft des großen Le Bonheur de vivre von 1905–06 bei. Das reduziert die kleine Collioure-Leinwand nicht zur Vorbereitungsskizze. Der Katalog bestimmt einen kompositorischen Zusammenhang zwischen vollendeter Landschaft und späterem weit größerem Werk. Matisse konnte eine räumliche Idee bewahren und Maßstab, Figuren und Zweck verändern. ^[2]

Beginnen Sie erneut bei den cremefarbenen Lücken im linken Laub, folgen Sie kühlen Formen zur Mitte und enden Sie bei den kleinen rosa und dunklen Strichen unten. Das Bild hält zusammen, ohne seine Herstellung zu verstecken. Seine ungewöhnliche Vollendung liegt im Gleichgewicht: genug Bäume und Boden für einen Ort, genug offene Leinwand und getrennte Farbe für sichtbare Malerei. Vergleichen Sie Offenes Fenster, Collioure und das spätere Le Bonheur de vivre; der Gemäldeleitfaden ordnet das Experiment von 1905 größeren Themen- und Methodenwechseln zu.