Die Musik (1939)

Zwei Frauen besetzen Henri Matisses quadratisches Gemälde Die Musik. Links sitzt eine gelb gekleidete Figur mit einem rot-orangen Bein quer durch den Vordergrund. Rechts hält eine zweite in Dunkelblau eine goldene Gitarre. Unter ihnen liegt ein offenes Notenblatt, oben breiten sich große grüne Blätter aus. Die Szene wirkt still und direkt, doch rote Einrichtung, Musterflächen und überlagerte Körper lenken das Auge fortwährend um. Matisse schuf dieses Werk 1939. Es gehört dem Buffalo AKG Art Museum, wo es als La Musique geführt wird, nicht als das viel frühere Fünf-Musiker-Bild für Sergei Schtschukin.^[1][2]

Buffalo verzeichnet Öl auf Leinwand auf einem quadratischen Träger von 115,25 × 115,25 Zentimetern. Matisse signierte und datierte unten rechts. Die Inventarnummer lautet RCA1940:13; das Museum kaufte das Bild 1940 mit dem Room of Contemporary Art Fund nach seinem Aufenthalt in der New Yorker Pierre Matisse Gallery. Die Angaben identifizieren es unter mehreren musikalischen Matisse-Titeln genau. Frauen, Gitarre, Noten und belaubtes Interieur gehören zur Buffalo-Leinwand von 1939; fünf Akte vor blauem Himmel und grünem Boden zur anderen Musik von 1910 in der Eremitage.^[1][2]

Was geschieht im Zimmer?

Der Titel nennt Musik, sichtbare Gitarre und offene Noten machen das Thema konkret. Die Frau rechts hält das Instrument an den Körper; eine Hand reicht über die gewölbte Vorderseite, die andere steigt am Hals auf. Die Frau links hat kein Instrument. Sie sitzt aufrecht, blickt nach außen, während die offene Notation unten zwischen beiden liegt. Das Bild nennt weder das geschriebene Stück noch, ob die linke Figur singt, zuhört oder als Mitspielerin wartet. Es liefert genug für eine musikalische Umgebung, ohne eine bestimmte Aufführung zu illustrieren.^[1]

Die Figuren besitzen verwandtes, aber unterschiedliches Gewicht. Gelbes Kleid und vorgerücktes rotes Bein der linken Frau verankern die untere linke Ecke. Gebeugte Arme sammeln sich um ihren Körper; roter Strumpf oder Beinform reicht diagonal zur Mitte. Das breite blaue Gewand rechts füllt fast die Gegenseite. Die Gitarre setzt darin einen warmen gerundeten Schwerpunkt. Buffalos kuratorischer Text nennt die Haltungen komplementär. So lässt sich die Ordnung lesen: Eine Figur öffnet sich dem Betrachter, die andere beschäftigt sich mit dem Instrument; eine streckt ein Bein nach vorn, die andere faltet sich in eine größere dunkelblaue Form. Keine verschwindet im Hintergrund.^[1]

Grüne Blätter darüber bilden eher ein loses Dach als eine vermessene Zimmerdecke. Große Lappen und schmale Öffnungen lassen dunkle Zwischenräume erscheinen. Rote gemusterte Einrichtung hinter und um die Frauen schafft eine geschlossenere Umgebung. Das Bild benötigt keine vollständige Architektur aus Wänden, Boden und Fenstern. Wenige Ebenen und Motive machen ein Interieur plausibel, während Blattmuster und Textil auf der eigenen Ordnung der Bildoberfläche bestehen. Die Szene kann intim wirken, ohne den genauen Raum oder die Beziehung der Modelle zu kennen.^[1]

Die Noten sind besonders wichtig. Schräg im Vordergrund unterbrechen ihre hellen Seiten die zusammenhängenderen roten, grünen und blauen Felder. Dunkle Papierzeichen sind als Notation erkennbar, aber kein lesbares Programm zur Identifizierung eines Stücks. Das Rechteck führt den Blick zu Figuren und Gitarre zurück. Unten bildet es ein kleines helles Gegengewicht zum größeren Gitarrenkörper darüber. Die Materialien der Musik, Instrument und Blatt, werden somit zu Formen, die den Raum zusammenhalten.^[1]

Die Gitarre ist Gegenstand und Drehpunkt. Ihre goldene Vorderseite krümmt sich im umgebenden Blau. Ein dunkles Schallloch markiert die Mitte, der Hals steigt nach rechts oben. Hand, Instrument und Kleid überlagern sich so eng, dass der Betrachter zwischen Spielhandlung und Folge starker Konturen wechselt. So bleibt das Bild ohne körperliche Bewegung aktiv. Sein Rhythmus liegt in wiederkehrenden Kurven von Gitarre, Armen und Blättern sowie schärferen Linien von Noten, Möbeln und Saiten. Buffalos Eintrag nennt keine Melodie; das Gemälde benötigt sie nicht, um Musik spürbar zu machen.^[1]

Wie hält die quadratische Komposition zusammen?

Ein Quadrat gibt keiner Figur die natürliche Vorherrschaft, die ein langes Querbild einem zentralen Spieler zuweisen könnte. Matisse muss große Frauenformen auf vergleichbare Hälften verteilen. Links sitzt die Frau tief genug, ihr rotes Bein fast bis unten zu führen; rechts steigt sie ins Blätterdach und reicht durch blaue Kleidung hinab. Die Gitarre verbindet ihren Oberkörper mit der Bildmitte. Die Noten tragen Aufmerksamkeit erneut tiefer und nach links. Das Auge kann kreisen, ohne eine Figur zum bloßen Zubehör der anderen zu machen.^[1]

Farbe verstärkt den Umlauf. Gelb besetzt die linke Kleidung und kehrt im Gitarrenkörper wieder. Rot erscheint hinter beiden und im auffälligen linken Bein. Blau konzentriert sich im Kleid der Gitarristin, Grün dominiert das Laub und kehrt unten zurück. Diese Wiederholungen kreuzen die Teilung zwischen den Modellen und schaffen eine Farbumgebung statt zweier isolierter nebeneinanderstehender Porträts. Die Farben sind aber kein wörtlicher Code für Noten oder Stimmen. Sie ordnen Aufmerksamkeit, Gewicht und Kontrast auf flacher Oberfläche.^[1]

Die rote Einrichtung hinter der Gitarristin vermittelt besonders stark. Sie steigt dicht mit helleren Zeichen gemustert zwischen den Frauen auf und endet deutlich unter dem Laub. Ihre Kante schafft eine senkrechte Pause, ihre Farbe verbindet jedoch das linke untere Bein mit der Gegenseite. Ein schmales Band heller und dunkler Akzente hinten bietet eine weitere Waagerechte. Solche Mittel erzeugen spürbare Struktur, ohne jedes Möbel identifizieren zu müssen. Das Zimmer überzeugt als Ort zum Sitzen und Musizieren, weil die Dekoration die Körper unterstützt, nicht weil es Lehrbuchperspektive folgt.^[1]

Oben wirken die Blätter anders. Wiederkehrende Einschnitte und Öffnungen bilden ein beide Figuren überspannendes Muster. Manche Lappen sind breit und fast flach, dunkle Lücken unterschiedlich groß. Dieses Dach belebt den oberen Rand und wirkt den kompakteren Sitzfiguren entgegen. Sein Grün mäßigt das wärmere Rot und Gelb darunter. Die Hauptteile sind schnell benennbar, doch die Balance hängt an kleinen Richtungs- und Abstandsänderungen. Sichtbare Leichtigkeit entsteht aus Beziehungen über das ganze Quadrat.^[1]

Diese Balance war ein tatsächliches Entstehungsproblem. Buffalo zufolge nahm Matisse zwischen 17. März und 18. April 1939 achtzehn Fotografien der entstehenden Leinwand auf. Das Museum deutet sie als Beleg seines Ringens darum, keine voluminöse Figur dominieren zu lassen und die Geometrie zu klären. Der öffentliche Eintrag liefert keine vollständige Bildunterschrift für jeden Zwischenzustand. Einem bestimmten Arm, Blatt oder Paneel einen Änderungstag zuzuweisen wäre daher irreführend. Gesichert ist, dass die scheinbar gefestigte Komposition auf anhaltende Überarbeitung über mindestens mehrere Wochen folgte.^[1]

Was zeigen die Studien?

Die Morgan Library & Museum dokumentiert eine verwandte Kohlezeichnung Studie einer Frau von 1939. Der Ausstellungstext identifiziert die Frau als eine der beiden in Die Musik. Dunkle, weich bearbeitete Kohle steht hellen Kleidflächen gegenüber. Die Morgan beschreibt Erfindung und Variation vor der Rückkehr zur Malerei. Das belegt mehr als die allgemeine Behauptung, Matisse müsse jedes Detail vorskizziert haben. Es zeigt eine dokumentierte verwandte Zeichnung und das Überdenken einer Figur, nennt aber kein Modell und beweist keine mechanische Übernahme des fertigen gemalten Umrisses.^[3]

Zeichnung und achtzehn Fotos beantworten verschiedene Fragen. Die Morgan-Studie zeigt die Erarbeitung einer Frauenform in Kohle, Buffalos Fotoserie Zustände der tatsächlichen Leinwand. Zusammen stützen sie Zeichnen, Betrachten, Übermalen und Vergleichen von Beziehungen im Quadrat. Sie machen das Bild nicht zum illustrierten technischen Handbuch. Ohne alle achtzehn Fotos in Originalfolge zu untersuchen, ist die belegte Dauer und Absicht der Änderungen genauer als eine erfundene Detailchronologie jeder Farbfläche.^[1][3]

Das Art Institute of Chicago besitzt ein weiteres Gemälde von 1939, Mädchen in Gelb und Blau mit Gitarre. Der wissenschaftliche Katalog datiert es auf März im Hôtel Régina in Nizza und verbindet es mit Matisses erneutem wiederholtem Überarbeiten einer Leinwand. Wie Buffalos Die Musik verbindet es sitzende Frau, Gitarre und abgeflachte Dekoration. Es ist jedoch ein eigenständiges kleineres Bild mit einer Hauptfigur. Chicagos technische Untersuchung erklärt Veränderungen genau dieser Oberfläche, darunter durch Bildgebung erkennbare frühere Positionen. Diese Befunde lassen sich nicht einfach auf Buffalo übertragen. Der belastbare Vergleich ist enger: Beide zeigen 1939 die Rückkehr zur Gitarre und den Versuch, eine Figur in kräftiger Farbe und Muster zu halten.^[4][1]

Der Vergleich klärt auch Buffalos Besonderheit. In Chicago trägt eine einzelne Gitarristin die Komposition. In Die Musik verändert die zweite Frau das optische Problem. Die Gitarristin kann das Quadrat nicht allein beherrschen; linke Figur, gekreuztes Bein und Noten verlangen gleichwertige Berücksichtigung. Buffalos Fotodarstellung bestätigt das Ringen mit genau dieser Beziehung zweier großer Formen. Das Ergebnis wirkt ausgeglichen, ohne die beiden identisch zu machen. Hinter scheinbarer Ruhe steht eine dokumentierte Anpassungsgeschichte.^[1][4]

Ist dies dieselbe Musik wie 1910?

Nein. Der Titel ist gemeinsam, Datum, Thema, Maßstab, Ort und Eigentum unterscheiden sich. Die Musik von 1910 ist Schtschukins monumentale Tafel in der Staatlichen Eremitage: fünf rot-orange Figuren vor breitem Blau und Grün, als Begleiter von Der Tanz. Buffalos Die Musik von 1939 ist ein quadratisches Interieur mit zwei bekleideten Frauen, Gitarre und Notenblatt. Musik in beiden macht das spätere Bild nicht zur Neuauflage des früheren. 1910 sind Körper in offener Landschaft getrennt, 1939 kommen zwei Modelle und ein Musterraum eng zusammen.^[1][2]

Matisse schuf außerdem Musik (Skizze) von 1907, heute im MoMA. Titel und Datum machen es zu einem weiteren Objekt, keinem frühen Zustandsfoto der Buffalo-Leinwand. Diese drei auseinanderzuhalten ist wesentlich bei einer schlicht „Musik“ genannten Seite. Schtschukins Treppe, fünf nackte Figuren oder der Auftrag für Der Tanz gehören zu 1910. Achtzehn Fotos von März bis April 1939, zwei Frauenhaltungen und Buffalos Erwerb 1940 gehören hierher. Das gemeinsame Musikthema lässt sich als langfristiges Interesse untersuchen, doch die Belege müssen bei der jeweiligen Leinwand bleiben.^[1][2][5]

Der Wandel von 1910 zu 1939 ist ohne einfache Fortschrittsgeschichte interessant. Im früheren Bild reduziert Matisse die Umgebung auf Hügel und Himmel; die Körper sind hauptsächlich rot-orange Formen über fast vier Meter Breite. In Buffalo sind Möbel, Laub und Kleidung aktive Partner der Modelle in einem 115-Zentimeter-Quadrat. Beide Lösungen geben Musik eine visuelle Form, ohne Klang wörtlich zu illustrieren. Der Gegensatz zeigt die Rückkehr zu einem Thema mit anderen Fragen: zuerst fünf Figuren über ein bestelltes Wandbild hinweg, später zwei Figuren in einem dicht gemusterten Interieur.^[1][2]

Was sagt das Bild über Musik und Betrachten?

Buffalo nennt Musik als persönlich wichtig für Matisse und erwähnt sein Geigenspiel. Das gibt dem wiederkehrenden Thema Kontext, identifiziert aber weder die Melodie der Noten noch die Gitarristin als Porträt einer bestimmten Musikerin. Überzeugend ist das Bild durch sichtbare Beziehungen. Noten deuten Lesen an, Gitarre Berührung und Klang, Figuren eine Situation, in der Zuhören und Spielen plausibel sind. Dekorative Motive wiederholen, beantworten und unterbrechen einander wie Rhythmen; die Analogie bleibt visuell, keine Abschrift tatsächlicher Noten.^[1]

Die linke Frau besitzt auch ohne Instrument starke Gegenwart. Ihr Gelb antwortet der Gitarre, ihr diagonales Bein führt zum Blatt unten. Wäre sie Hintergrund, verlören die Noten einen visuellen Anker und die breite linke Hälfte würde merkwürdig leer. Buffalos Fotos zeigen Matisses Zeitaufwand, gerade ein solches Ungleichgewicht zu verhindern. Der Betrachter kann zwischen beiden wechseln und Duett, Unterricht oder bloß gemeinsame Musikzeit empfinden. Keine dieser sozialen Geschichten ist museal dokumentiert; die Komposition erlaubt sie, ohne zu entscheiden.^[1]

Auch das Dazwischen lohnt Aufmerksamkeit. Eine rote Senkrechte, Gitarrengold und das helle Blatt unten verbinden die Körper zu einem Netz. Die großen Blätter geben einen gemeinsamen oberen Rahmen. Dunkle Konturen klären Modelle und Instrument, ohne sie von Mustern zu isolieren. Aus der Ferne halten Figuren, Gitarre und Noten ihre Plätze; näher treten kleine Wiederholungen und Kantenwechsel hervor. Dieser Wechsel zwischen Klarheit und Komplexität gehört zur Wirkung und ist ein Grund, den Originalmaßstab nicht auf ein quadratisches Vorschaubild zu reduzieren.^[1]

Die dokumentierte Herstellung fügt dem eine weitere Schicht hinzu. Laut Buffalo betrachten wir ein in etwa einem Monat durch achtzehn Zustände fotografiertes Bild, keine spontan in einer Sitzung festgehaltene Szene. Die erreichte Ordnung ist das Ziel. Matisse arbeitete, bis relative Figurengröße, Instrument und dekorierter Raum in einem unmittelbar wirkenden Quadrat zusammenbestanden. Das Thema mag Musik sein, die besondere Leistung ist bildnerisch: Das Auge findet für jeden Menschen und Gegenstand einen Platz, während die Farben weiter darum kreisen.^[1]

Wohin gelangte das Gemälde?

Buffalos Provenienz nennt die Pierre Matisse Gallery in New York, bevor die Albright Art Gallery La Musique am 27. Mai 1940 kaufte. Der Museumskredit nennt den Room of Contemporary Art Fund. Die kurze belegte Folge verbindet ein französisches Bild von 1939 mit seiner amerikanischen Sammlung, ohne den Erwerb mit dem früheren Moskauer Auftrag zu verwechseln. Sie bietet auch den stabilen Identifikator RCA1940:13 für Reproduktionen und Museumseintrag. Ausstellungen können wechseln; für einen Besuch ist die Eigentümerseite maßgeblich.^[1]

Das Werk gehört zur größeren Geschichte von Matisses Gemälden, doch seine nahen Fragen sind bestimmt. Warum bindet die Frau ohne Gitarre ebenso viel Aufmerksamkeit wie die Spielerin? Wie antworten gelbes Kleid und goldenes Instrument, ohne zu verschmelzen? Warum zählen die hellen Noten unten so sehr? Die Antwort liegt in sorgsam gewogenen Haltungen und Abständen sowie der wiederholten Überarbeitung hinter der Leichtigkeit. Zeichnung von 1939 und Chicagoer Gitarrenbild vertiefen die Lesart, während die Musik von 1910 einen eigenen Artikel zum früheren Wandbild behält.^[1][3][4]