Venus

Henri Matisses Venus lädt zu einer kleinen Umkehr der Aufmerksamkeit ein. Zunächst scheint eine weiße weibliche Figur vor einem kräftigen blauen Feld zu stehen. Beim zweiten Blick wird das blaue Feld zu zwei getrennten Stücken bemalten Papiers. Ihre inneren Kanten bilden Hals, Schultern, Brüste, Taille und Hüfte der weißen Form dazwischen. Matisse machte den Körper sichtbar, indem er das gestaltete, was daneben liegt. Die blauen Stücke sind ebenso aktiv wie die Figur, die sie umgeben. ^[1]

Das Original gehört der National Gallery of Art in Washington. Es ist auf 1952 datiert; das Museum beschreibt Gouache auf Papier, ausgeschnitten und auf weißes Papier geklebt, auf einer Papiertafel montiert. Insgesamt misst es 101,2 × 76,5 Zentimeter. Das sind die Maße eines beträchtlichen Hochformats, wenn auch viel kleiner als die wandbreiten Scherenschnitte, die Matisse ebenfalls entwickelte. Seine Initialen „HM“ erscheinen unten rechts. Die MoMA-Ausstellungswerkliste von 2014 nennt dasselbe Datum, dieselben Maße und die National-Gallery-Inventarnummer 1973.18.2. ^{[1] [2]}

Wo ist die Figur?

Der weiße Körper ist weder eine blaue Silhouette noch ein gesondert auf Blau geklebter weißer Körper. Seine Umrisse entstehen durch die Seiten der beiden blauen Blätter. Das linke beginnt oben schräg, verengt sich und schwillt auf Höhe der linken Brust nach außen. Darunter biegt sich die innere Linie zur Taille, bevor sie wieder nach außen weicht. Das höhere rechte Blatt hat einen breiten, fast waagerechten oberen Rand. Seine Schnittkante zieht sich um Kopf und Hals nach innen, wölbt sich für die rechte Brust vor und weicht dann zurück, um eine lange Taille und die aufsteigende Hüftkurve zu bestimmen. Die Blätter berühren sich nicht. Das unbemalte Papier zwischen ihnen bleibt bis unten offen. ^[1]

Diese Offenheit macht es ungewöhnlich schwer, den Körper als festen Gegenstand zu bestimmen. Hals und Brust sind lesbar, doch der Figur fehlen Gesicht, Arme und gezeichnete innere Anatomie. Unterhalb der Taille weitet sich das Weiß großzügig nach rechts, während das linke Blau viel früher endet. Der Unterkörper scheint sich zu drehen oder zu neigen, doch eine stabile Haltung lässt sich nicht wie gewohnt erkennen. Man kann sofort einen weiblichen Torso erkennen und muss dennoch die Papierkanten verfolgen, um seine Entstehung zu sehen. Der Körper ist sowohl Anwesenheit als auch ein zwischen Dingen freigelassener Raum. ^[1]

Die Asymmetrie zählt. Entsprächen sich beide Seiten, könnten sie als sauberer blauer Rahmen um ein mittiges weißes Zeichen erscheinen. Stattdessen neigt sich die linke Oberkante, die rechte beginnt breit, eine Seite endet nahe der Hüfte, die andere reicht bis unten. Die weiße Figur hat einen schmalen oberen Teil und eine weite untere Kurve, wird jedoch von beiden blauen Seiten ungleich gezogen. Das Auge wandert zwischen den Schnittkanten hin und her und verbindet sie fortwährend zu einem Körper. Diese Seharbeit des Betrachters gibt der scheinbar einfachen Komposition ihre Spannung. ^[1]

Der Titel Venus legt eine klassische weibliche Figur nahe. Der kurze Museumseintrag bestimmt jedoch keine besondere Episode aus der Geschichte der Göttin. Es gibt weder Muschel noch Schauplatz oder erzählte Handlung. Matisse bewahrte die Körperidee und einen Titel, entfernte aber die meisten beschreibenden Hinweise. Statt eine Mythenszene zu erfinden, ist es hilfreicher, darauf zu achten, wie Schnittkanten aus einem weißen Zwischenraum eine Figur machen. ^[1]

Was tragen die blauen Papiere bei?

Das Blau ist mehr als ein Hintergrund. Es bestimmt an jedem Punkt die Körperbreite, und seine beiden Stücke erfüllen unterschiedliche Aufgaben. Links schließt sich eine kürzere, unregelmäßigere Form um den oberen Torso und gibt ihn dann frei. Rechts liefert ein größeres zusammenhängendes Feld die lange innere Taillenkurve und den weiten äußeren Hüftschwung. Der Körper lässt sich als Hauptthema lesen, doch das Blau muss auch als eigenes Paar geschnittener Formen gesehen werden. Außenkanten, rechteckige Oberseiten und ungleiche untere Enden halten den materiellen Aufbau sichtbar. ^[1]

Die Beschreibung der National Gallery nennt waagerechte Pinselzüge im blau bemalten Papier. Auch im vorhandenen Bild sind sie sichtbar: Die Farbe hat leichte Bänder und Dichtewechsel statt der gleichmäßigen Fläche eines gedruckten Plakats. Das Papier wurde vor dem Schneiden mit Gouache bemalt. Farbe und Schnittkontur kommen deshalb im fertigen Bild zusammen, bleiben aber materielle Vorgänge: Farbe liegt auf Papier, und Papier wurde geformt und auf einer anderen Papierfläche befestigt. Venus schlicht als blau-weiße Zeichnung zu bezeichnen, würde deshalb etwas Wesentliches verfehlen. ^{[1] [3]}

Matisses späte Scherenschnittpraxis umfasste oft bemalte Blätter, Scheren und vorläufige Anordnungen an Atelierwänden vor der endgültigen Montage. Das MoMA dokumentiert diese allgemeine Methode und das Verschieben der Formen im Atelier. Die National Gallery verzeichnet den heutigen Zustand dieses besonderen Werkes: ausgeschnitten und auf weißes Papier geklebt, auf einer Papiertafel montiert. Diese Quellen liefern keine vollständige Folge einzelner Schnitte, Nadeln oder Überarbeitungen für Venus. Das sichtbare Ergebnis genügt, um seine erstaunliche Sparsamkeit zu erklären. Wenige Konturen schaffen zugleich Farbe, Linie und Körper. ^{[3] [1]}

Warum erscheint Venus neben Der Sittich und die Meerjungfrau?

Eine dokumentierte Atelierepisode gibt Venus einen zweiten Zusammenhang. Das MoMA identifiziert das Werk auf einer Aufnahme von Matisses Hôtel-Régina-Atelier von 1952, in der Lichtung der entstehenden Komposition Der Sittich und die Meerjungfrau. Das Foto zeigt außerdem Blauer Akt II und Stehender blauer Akt unter den dort erprobten Figuren. Laut MoMA experimentierte Matisse mit mehreren Formen in diesem offenen Teil der Wandkomposition, bevor er die Meerjungfrau für die endgültige Fassung wählte. ^[4]

Das ist genauer als die vage Behauptung, die Werke hätten einander „beeinflusst“. Venus hatte einen sichtbaren vorläufigen Platz in einer wechselnden Atelierordnung. Ihre weiße Figur mit blauer Umgebung wurde vor einem viel größeren Feld farbiger Blätter, Früchte und eines Vogels erprobt. Die endgültige Meerjungfrau ist eine andere Figur. Das Foto dokumentiert einen Versuch und beweist weder, dass Venus aus dem fertigen Wandbild herausgeschnitten wurde, noch dass sie als vorbereitendes Fragment davon gelten muss. Das eigenständig montierte Werk heute in Washington behält seine eigene Identität. ^{[4] [1]}

Die Episode verändert auch unseren Blick auf den leeren Raum in Venus. Für sich gibt der cremeweiße Grund um die beiden blauen Stücke dem Körper eine klare, ruhige Umgebung. An der Atelierwand konnte dieselbe kompakte Form zwischen dichter gedrängten Formen in völlig anderem Maßstab beurteilt werden. Die MoMA-Fotos des sich wandelnden Sittichs zeigen, dass Platzierung zu Matisses Denken gehörte. Seine Stücke ließen sich bewegen und im Verhältnis zur umgebenden Komposition beurteilen, bevor eine Anordnung endgültig wurde. Venus zeigt diesen Prozess, ohne eine Versuchsposition mit der endgültigen Bestimmung des Objekts zu verwechseln. ^[4]

Wie unterscheidet sich das Werk von den Blauen Akten?

Die verwandten Werke der Blauen Akte bieten einen hilfreichen Vergleich, weil auch sie mit blau gouachebemaltem Papier die menschliche Figur suchen. Das Metropolitan Museum of Art datiert seinen Stehenden blauen Akt auf 1952 und beschreibt sechs getrennte blaue Stücke, die einen frontalen Körper bilden. Sein Kurator verbindet das Werk mit mehreren Variationen des weiblichen Körpers aus derselben Zeit. Dort sind die blauen Stücke selbst der Körper vor dem umgebenden Weiß. In Venus ist der Körper vor allem der weiße Zwischenraum zwischen blauen Papieren. Das Farbverhältnis ist umgekehrt. ^{[5] [1]}

Diese Unterscheidung verhindert eine irreführende Benennung. Venus ist weder Blauer Akt II noch Stehender blauer Akt unter anderem Titel, obwohl alle drei 1952 in derselben Atelierlichtung erprobt wurden. Die MoMA-Werkliste gibt jedem einen eigenen Eintrag und eine eigene Objektgeschichte. Die Werke teilen eine Vereinfachung der weiblichen Form, doch ihre materiellen Lösungen unterscheiden sich. Im Stehenden blauen Akt verbinden sich mehrere Fragmente zu einer blauen Figur. In Venus schaffen zwei blaue Flächen eine weiße Figur, indem sie getrennt bleiben. Letztere verlangt, einen Abstand als Körper zu lesen. ^{[2] [4] [5]}

Die National Gallery verzeichnet Venus nach einem Kauf von 1973 über die Pierre Matisse Gallery von Vie des Arts Est. in Genf in ihrer Sammlung. Zur Ausstellungsgeschichte gehören die Wanderausstellung von Matisses großen Schnittgouachen 1961–1962 und die Ausstellung Henri Matisse: The Cut-Outs 2014–2015. Diese Geschichte zeigt, dass das Werk als eigenständiges Objekt und innerhalb der umfassenderen späten Scherenschnittpraxis betrachtet wurde. Sie verlangt nicht, es bloß als Zubehör eines größeren Werkes zu behandeln. ^[1]