Große Dekoration mit Masken

Henri Matisses Große Dekoration mit Masken erstreckt sich über nahezu zehn Meter. Farbige Blumen und kleine verzweigte Formen wiederholen sich auf Weiß; zwei sparsam gezeichnete Gesichter unterbrechen das Muster; blaue Säulen halten Enden und Mitte zusammen. Das Werk entstand 1953 als Entwurf aus Schnittpapier in Originalgröße für ein keramisches Wandbild, nicht als Faltparavent oder bereits installierte Fliesenwand. Die National Gallery of Art in Washington besitzt das originale Werk aus bemaltem Papier. Es ist auf fünf miteinander verbundenen Leinwandtafeln angebracht und misst ungefähr 3,54 Meter in der Höhe und 9,96 Meter in der Breite. ^{[1] [2]}

Wie ist die Dekoration organisiert?

Die beiden breiten Seitenfelder sind mit vierteiligen Blumenformen gefüllt. Blau, Grün, Rosa, Orange, Rot und Gelb erscheinen immer wieder, doch ihre Reihenfolge verändert sich über die Fläche. Die Wiederholung schafft ein Raster, ohne jeden Abschnitt zur Kopie seines Nachbarn zu machen. Kleine gewürznelkenähnliche Formen zwischen den Blumen verbinden eine Gruppe mit der nächsten. Um jede ausgeschnittene Form bleibt Weiß sichtbar. Der Raum zwischen den Farben wird damit selbst zu einem Bestandteil des Rhythmus. ^[1]

Ein mittlerer blauer Streifen trägt eine senkrechte Reihe blauer Blumen. Schmale blaue Säulen schließen die Außenränder ab. Diese starken aufrechten Elemente rahmen die breiten belebten Felder, ohne die seitliche Bewegung des Blicks zu unterbinden. Am oberen Rand gehen kurze blaue Zeichen über die Mitte hinweg in grüne über. Im großen Aufbau ist die Gestaltung symmetrisch; Farbwechsel und unterschiedliche Schnittkonturen halten sie dennoch lebendig. Ihr Maßstab verlangt vom Betrachter, an ihr entlangzugehen, statt alle Einzelheiten auf einmal zu erfassen. ^[1]

Die fünf verbundenen Tafeln tragen eine einzige durchgehende Gestaltung. Die Stellen, an denen die Tafeln aneinanderstoßen, unterteilen die Fläche physisch, doch wiederholte Formen und weißer Grund setzen sich darüber fort. Deshalb liest sich das Werk als Wanddekoration und nicht als fünf getrennte Szenen. Die National Gallery verzeichnet Matisses blaue Inschrift „HM 53/53“ rechts unten: ein kleines Zeichen am äußersten Ende einer Komposition, deren Gesamtrhythmus weit auffälliger ist als ihre Signatur. ^[1]

Jede Maske ersetzt eine Blume nahe dem inneren Bereich eines Seitenfelds. Gegenüber der Dekoration sind die Gesichter klein: helle Ovale, in denen Augen, Nase und Mund mit dunklen Linien gezeichnet sind. Ihre Platzierung schafft zwei Pausen im Blumenmuster. Ein Besucher bemerkt sie womöglich erst nach dem großen Farbraster. In den vom Eigentümer veröffentlichten Angaben zum Werk ist weder eine bestimmte Person noch ein Ritual oder eine feste symbolische Bedeutung für eines der Gesichter belegt. Sichtbar bedeutsam sind die Masken, weil ein gezeichnetes menschliches Zeichen das wiederholte Schnittpapiermotiv unterbricht. ^{[1] [2]}

Wie begegnet man einem Werk dieser Breite?

Das von der National Gallery genannte Maß von knapp zehn Metern macht einen einzigen festen Blickpunkt unzureichend. Wer nahe einer Maske steht, sieht Blumenformen und weiße Abstände im Einzelnen, während die andere Maske weit entfernt auf der Wand bleiben kann. Beim Zurücktreten werden blaue Vertikalen und große Symmetrie sichtbar, doch einzelne Schnittkonturen verschmelzen zum rhythmischen Feld. Das Werk ermöglicht beide Begegnungen. Fünf verbundene Leinwandtafeln ergeben eine durchgehende Dekoration; ihre gemeinsame Breite fordert jedoch zur Bewegung und zur Entdeckung von Wiederholung in der Zeit ebenso wie im Raum auf. ^[1]

Die zwei Masken bieten menschliche Zeichen in einem überwiegend floralen Feld. Sie sind keine großen Porträts, die mit den Blumen konkurrieren. Ihre kleinen gezeichneten Züge belohnen das nahe Hinsehen, von dem das riesige Muster sonst abhalten könnte. Auf dem Weg von einem Gesicht zum anderen lässt sich spüren, wie Matisse die Blumenfarben dazwischen variiert und das Grundmotiv dennoch erkennbar hält. Das ist eine Deutung der sichtbaren Komposition, keine Behauptung, die Gesichter stellten die Brodys oder andere namentlich bekannte Menschen dar. ^{[1] [2]}

Warum änderte sich die Richtung des Patioauftrags?

Laut MoMA überschritt der erste breite Entwurf die Breite der vorgesehenen Patiowand der Brodys. Diese praktische Grenze bestimmte die nächste Phase. Matisse verkleinerte das Blumen-und-Masken-Muster nicht bloß passend zum Ort, sondern entwickelte weitere Vorschläge. Schließlich wurde Die Garbe als vierter und endgültiger Entwurf ausgewählt. Der Wechsel vom ausgedehnten Blumenraster zum konzentrierten Blätterstrauß zeigt zwei unterschiedliche Antworten auf denselben Standort. Das Papieroriginal blieb als Komposition in Originalgröße erhalten, obwohl der Auftrag eine andere Form annahm. ^[3]

Auch Materialwechsel hätten eine Rolle gespielt. Eine Maquette aus Schnittpapier bewahrt von Hand geformte Ränder, Verbindungen, weiße Räume und gezeichnete Gesichtszüge. Eine keramische Wand hätte den Entwurf in gefertigte, für einen Patio geeignete Einheiten übertragen. MoMA bezeichnet dieses Werk als Maquette; die National Gallery beschreibt das heutige Objekt als mit Gouache bemaltes Schnittpapier, über Leinwände hinweg montiert. Dass dieses Werk als Vorschlag für eine noch auszuführende Keramik gedacht war, bedeutet nicht, dass es visuell unvollständig wäre. Rhythmische Blumen und stille Gesichter lassen sich als fertiger Scherenschnitt lesen; die Auftragsgeschichte erklärt zugleich den architektonischen Maßstab, für den dieser Rhythmus gedacht war. ^{[1] [2] [3]}

Wozu war es bestimmt?

MoMAs Scherenschnittforschung identifiziert den Auftrag: Sidney und Frances Brody wünschten eine keramische Dekoration für den Patio ihres Hauses in Los Angeles. Matisse begann mit dieser ungewöhnlich breiten Komposition. Sie erwies sich als zu breit für den Ort; weitere Vorschläge folgten. Die Garbe, ein Strauß farbiger Blätter, wurde zum vierten und endgültigen Entwurf. Die Große Dekoration mit Masken hat deshalb zwei zusammengehörige Identitäten: Sie ist ein fertiges raumgroßes Papierwerk, das für sich betrachtet werden kann, und war ein Vorentwurf für eine Keramik, die schließlich anders aussah. ^[3]

Der Materialunterschied ist im Datensatz der National Gallery klar. Matisses Assistenten färbten Papier mit Gouache; er schnitt Formen aus, ordnete und überarbeitete sie. Die Teile wurden schließlich auf weißes, auf Leinwand montiertes Papier geklebt. MoMAs Ausstellungsbeschriftung nennt außerdem Tusche, passend zu den gezeichneten Maskendetails. Ein keramisches Wandbild hätte die Übertragung in ein anderes Material erfordert. Das hier wiedergegebene Objekt bewahrt das geschnittene und geklebte Papier, dessen Ränder und weiße Zwischenräume die Gestaltung tragen. ^{[1] [2]}

MoMA verbindet die wiederholten Blumen mit Matisses langem Interesse an Dekoration und fliesenartigen Mustern. Die Wiederholung ist architektonisch: Blaue Säulen und eine Mittelachse helfen, nahezu zehn Meter Farbe zu verstehen. Doch geschnittene Blätter und Blumen variieren genug, um mechanische Regelmäßigkeit zu vermeiden. Vergleichen Sie die schließlich ausgewählte Garbe: Derselbe Patioauftrag konnte vom breiten Blumenraster zu einem konzentrierten Ausbruch von Blättern führen. Der Scherenschnittführer erklärt die für beide Werke eingesetzte Methode mit bemaltem Papier. ^[3]