Selbstbildnis im gestreiften T-Shirt (1906)

Henri Matisses Selbstbildnis im gestreiften T-Shirt zeigt einen bärtigen Mann nahe der Bildoberfläche. Sein Kopf ist leicht gedreht, doch die Augen begegnen dem Betrachter. Leuchtendes Grün und Blau durchziehen Gesicht und Raum dahinter; lockere farbige Streifen unterbrechen das helle Hemd. Diese Entscheidungen lassen das Porträt erkennbar bleiben und geben zugleich der glatten Modellierung oder dem neutralen Hintergrund eines herkömmlichen Bildnisses wenig Raum. Es untersucht, wie sich ein Gesicht aus Farbe, Kontur und wenigen kraftvollen Beziehungen bilden lässt. ^[1]

Das Gemälde stammt von 1906 und gehört dem Statens Museum for Kunst (SMK), Kopenhagen. Das Museum nennt es Selvportræt, dänisch für Selbstbildnis, und verzeichnet KMSr78. Seine Ölmalerei auf Leinwand misst 55 × 46 cm. Der längere englische Titel unterscheidet das Bild hilfreich von anderen schlicht Selbstbildnis genannten Werken: Das Streifenhemd ist eines der stärksten visuellen Merkmale. Die vorliegende Reproduktion ist klein; die folgende Darstellung konzentriert sich auf klar Sichtbares, ohne die Prüfung jedes originalen Pinselzeichens zu behaupten. ^{[1] [2]}

Was sehen wir im Selbstbildnis?

Matisse füllt die schmale hochformatige Leinwand mit Kopf und oberer Brust. Sein dunkler Bart breitet sich abwärts bis zum weiten Halsausschnitt aus. Die Schultern scheinen an beiden Seiten aus dem Bild zu laufen und rücken das Gesicht nah heran. Ein Streifen bloßen warmfarbigen Halses trennt Bart und Hemd. Weder Staffelei noch Pinsel oder Raum kennzeichnen ihn sichtbar als Künstler. Dass es ein Selbstbildnis ist, ergibt sich aus der Werkidentifizierung; die Wirkung einer nahen aufmerksamen Figur entsteht aus dem Sichtbaren. ^[1]

Die Pose verbindet Drehung und Begegnung. Der Kopf erscheint nicht als vollkommen symmetrische Maske: Ein Ohr und eine Schädelseite liegen deutlich freier, der Hals führt schräg ins Hemd. Dennoch schauen die Augen hinaus. Das verhindert ein reines Profil und lässt das Gesicht direkt ansprechen. Matisse umgibt es nicht mit einer Geschichte. Die Aufmerksamkeit wandert zwischen Augen, dunklem Nasenrücken und Nasenunterseite, Bart und hellen Flecken an Stirn und Wangen.

Das Hemd nimmt erstaunlich wenig Raum ein, doch seine Streifen zählen. Der helle Stoff hebt Gesicht und Bart hervor; rote, dunkle und grüne Zeichen beleben zugleich die Kleidung. Manche Bänder wirken gebrochen oder über die Fläche gezogen, statt sorgfältig als regelmäßiges Textilmuster beschrieben. Ihre Richtung führt über den unteren Bildteil und zurück zum Kopf. Sie liefern auch etwas vertraut Alltägliches neben den unerwarteteren Gesichtsfarben.

Warum sind Gesicht und Hintergrund so farbig?

Grün läuft über die Stirn, um die Nase und über Teile der Wange. Blau und Türkis erscheinen an den Gesichtsrändern und im Feld dahinter. Rosa und Braun bleiben an Ohr, Hals und Nase. Das Ergebnis ist kein in einer einzigen unmöglichen Farbe gemaltes Gesicht, sondern eines aus Nachbarflecken, die sich abwechselnd mit der Umgebung verbinden und von ihr trennen. Aus der Ferne halten dunkler Bart und kräftige Brauen diese Passagen als Bildnis zusammen.

Matisse setzt den Kopf vor einen über die Leinwand wechselnden Hintergrund. Eine Seite enthält helle freiliegend wirkende Zonen, die andere wird zu stärkerem Blaugrün. Der Schädelrand ist daher nicht gleichmäßig umrissen. Stellenweise schneidet dunkles Haar scharf gegen hellere Farbe; anderswo scheint kühle Farbe vom Gesicht in die Umgebung zu laufen. Dieser Wechsel lässt das Porträt fest und unruhig zugleich wirken. Er ist ein Oberflächeneffekt, kein Beleg für eine bestimmte Lichtquelle oder ein bestimmtes Zimmer.

Auch die dunklen Zeichen verdienen Aufmerksamkeit. Dicke Linien um Augen, Nase und Bart machen die Züge rasch lesbar. Sie umschließen nicht bloß anschließend farbig gefüllte Bereiche. Manchmal stärkt ein Nachbarfleck die Kontur, manchmal drängt er gegen sie. Dieser Austausch gibt dem Porträt Präsenz. Ein fotografisches Bildnis würde das Aussehen eines Mannes in einem Augenblick aufzeichnen. Hier zeigt das Bild die Entscheidungen, mit denen Matisse das Erscheinungsbild malerisch konstruiert.

Dieser Farbeinsatz gehört zur Zeit, in der Matisse und mit dem Fauvismus verbundene Maler Farbe von wörtlicher Beschreibung lösten. Das Metropolitan Museum of Art verortet diese Erkundung in der Mitte der 1900er Jahre. „Fauvistisch“ ist hilfreicher historischer Kontext, sollte aber nicht zur Formel eines festen Gefühls für jeden grünen oder blauen Strich werden. Hier haben die Zeichen sichtbare Aufgaben: Gesicht aufbauen, es vor ein Feld setzen und Hemd und Kopf über die Leinwand zusammenbringen. ^[3]

Wie erzeugt die Malerei Ähnlichkeit?

Ein Selbstbildnis verspricht eine Verbindung zwischen Künstler und Modell, muss aber keine vollständige Persönlichkeitsschilderung sein. Verlässlicher Ausgangspunkt sind das identifizierte Objekt und seine sichtbare Form. Die Augen blicken uns an, der Mund geht größtenteils in Schnurrbart und Bart auf, wenige breite Farbflächen halten den Schädel. Daraus lässt sich Matisses private Stimmung nicht sicher ableiten. „Trotzig“, „ängstlich“ oder „selbstbewusst“ beschreiben mögliche Bildreaktionen, keine vom Museumseintrag gelieferten Tatsachen.

Auch der Maßstab prägt die Begegnung. Mit 55 × 46 cm ist dies eine bescheidene Leinwand, kein repräsentatives Ganzfigurenporträt. Darin beansprucht der Kopf viel Höhe. Wenig Umgebung lenkt ab, bevor man dem Blick begegnet. Das Gesicht ist Thema und Hauptort des Experiments. Haaransatz, Braue, Nase, Ohr und Bart bleiben erkennbar, während natürliche Hauttöne unerwarteter Farbe weichen. ^[1]

Beachten Sie besonders das Verhältnis breiter Brauen und Augen. Dunkle Farbe gibt der Brauenpartie Gewicht, während Grün und helle Passagen darüber Aktivität bewahren. Die Augen sind ungleichmäßig von Farbe umgeben, statt in einem üblichen fleischfarbenen Oval ausbalanciert zu sein. Diese Asymmetrie trägt zur Bewegung bei. Abwärts sammelt der Bart viele dunkelste Töne und verankert das hellere Hemd. Wieder aufwärts breiten sich Blau und Grün um den Schädel aus. Das Bild wechselt zwischen konzentriertem Detail und großen Feldern.

Unfertig wirkende Passagen lassen sich leicht als Nachlässigkeit missverstehen. Der helle Grund bleibt oben und seitlich sichtbar, manche Übergänge wirken abrupt. Doch diese Öffnungen lassen das Bild atmen und schärfen das Blaugrün. Sie machen die Leinwand als bearbeitete Oberfläche bewusst. Das unterscheidet sich vom gleichmäßig vollendeten akademischen Porträt mit sorgfältig verblendeten Grenzen für die Illusion zusammenhängenden Raums. Hier gehören sichtbare Dichtewechsel zur Darstellung der Figur.

Wie lässt es sich mit Der grüne Streifen vergleichen?

Das SMK besitzt auch Matisses Porträt der Madame Matisse. Der grüne Streifen von 1905. Es zeigt seine Frau Amélie und ist ein eigenes Gemälde mit eigener Sammlungsgeschichte. Das Museum erklärt die Teilung ihres Gesichts durch einen grünen Streifen und die Organisation durch kühle und warme Farben. Daneben zeigt das Selbstbildnis von 1906 eine verwandte Bereitschaft, Gesichtsstruktur durch Farbe zu schaffen, doch beide Bilder verwenden keinen identischen Aufbau. ^[4]

Im Gemälde Der grüne Streifen ist das senkrechte Grün ein ungewöhnlich klares kompositorisches Scharnier. Im Selbstbildnis verteilt es sich stärker. Es erscheint in mehreren Gesichtszonen und klingt mit kühler Farbe um den Kopf zusammen. Bart und Streifenhemd erzeugen einen ganz anderen Rhythmus: dunkle abwärts gerichtete Masse über kurzen, überwiegend waagerechten Kleidungszeichen. Beide Gemälde verlangen, eine erkennbare Person ohne herkömmliche Hautpalette zu akzeptieren. Ihre Unterschiede machen die gemeinsame Frage nützlicher als das weite Etikett „fauvistisches Porträt“.

Der Vergleich verhindert auch eine häufige Identitätsverwechslung. Der grüne Streifen ist Amélies Porträt von 1905, kein anderer Titel dieses Selbstbildnisses von 1906. Die belegten früheren Eigentümer und der Erwerb von Der grüne Streifen im Jahr 1936 dürfen nicht als Provenienz von KMSr78 dienen. Der heutige Standort im selben Museum macht frühere Wege zweier Gemälde nicht gleich. ^[4]

Welche weiteren Porträtversuche unternahm Matisse 1906?

Das Centre Pompidou datiert Matisses Graphitzeichnung Étude de deux visages auf 1906–07. Die kuratorische Analyse beschreibt eine an Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen reiche Phase, die Personen durch frontalen Blick, Umriss und vereinfachte Gesichtszeichen darstellte. Sie nennt ausdrücklich das Kopenhagener Autoportrait unter einschlägigen Leinwänden. Die Zeichnung zeigt wahrscheinlich Madame Matisse und ihren Sohn Jean; sie ist keine Vorstudie des Selbstbildnisses. Sie dokumentiert eine umfassendere, fast gleichzeitig verfolgte Frage. ^[5]

Zeichnung und Malerei bieten dafür andere Mittel. Graphit kann Ähnlichkeit in Stellung und Druck von Linien konzentrieren. Öl kann Züge vor Farbflächen setzen und einen Ton die vermeintliche Grenze zwischen Gesicht und Grund überqueren lassen. Auf der SMK-Leinwand ist diese Grenze an Schläfen und Hals besonders instabil. Der Vergleich mit der Pompidou-Zeichnung zeigt das medienübergreifende Interesse an einem direkten sparsamen Gesicht, während Daten und Themen die Werke unterscheiden.

Spätere Zeichnungen und Skulpturen führen den menschlichen Kopf in weitere Linien- und Massenstudien. Das Selbstbildnis von 1906 sollte dennoch zuerst als dieses bestimmte gemalte Objekt verstanden werden: nahe Büste, dunkler Bart, Streifenhemd und ungleichmäßiges Grünblaufeld. Seine historischen Nachbarn klären seine Fragen, erklären aber die besonderen visuellen Entscheidungen nicht weg.

Wo lässt sich das Werk sehen und erkunden?

Das Gemälde befindet sich im Statens Museum for Kunst, Kopenhagen, unter KMSr78. Der dänische Museumstitel Selvportræt und der Jahresberichtstitel Autoportrait bedeuten beide Selbstbildnis. Die Inventarnummer hilft bei der Suche, es von anderen Selbstbildern und ähnlich betitelten Reproduktionen zu unterscheiden. Der SMK-Sammlungseintrag ist der beste Ausgangspunkt für heutige Objektinformationen. ^{[1] [2]}

Beginnen Sie innerhalb dieser Matisse-Sammlung mit dem Künstlerüberblick oder Gemäldeverzeichnis für die weitere Chronologie. Vergleichen Sie dann das belegte Amélie-Porträt von 1905: Finden Sie das Grün beider Gesichter, betrachten Sie die dunklen Konturen und die unterschiedliche Begegnung mit dem Betrachter. Diese konkreten Fragen zeigen mehr als Farbe als Gefühlscode zu behandeln.